Can you introduce yourself ?

My name is Seel. I was born in 1979. I live and work near Fontainebleau, 70 km away from Paris.

What is your artistic background ?

I started drawing, building models… In short, doing all kinds of things with my hands when I was very young. So I was rarely bored as a child.

After graduating in high school, I didn‘t know what to do and since the only thing I was interested in was drawing, well I went on to study art. After a school of Graphic Art, I started freelancing. I worked for a while for Studio 360 with Thibault de Longeville, mainly in the world of music and fashion…

What are your influences ?

Reading all kinds of comics has shaped my artistic vision quite a bit. But I must say that what most influenced me was the emergence of skate culture in the 90s. This influenced me both in terms of graphics and music. It really slapped me in the face to discover how rich this culture was and how it allowed immense artistic freedom, breaking free from codes and being able to be practiced everywhere, all the time. Of course, I was seduced by the very underground nature of this culture and its ability to make the city a playground.Thanks to skateboarding, I discovered graffiti through the hip-hop culture. This was made real during my first trip to the US in 1994. I met inspiring people, we exchanged tapes, we shared our passion for hip-hop music… I felt like I belonged to this world and when you are a teenager, it is exactly what you need, what you are looking for. Since then, the social being I have become has let myself be carried away by encounters, movements, the evolution of urban cultures, the profusion of art that emanates from social networks. I feed on everything around me, consciously or not!


So who are the artists who inspired you ?

Of course, many artists have made me want to paint. When you get a visual slap you say to yourself, „It‘s fucking awesome, I want to do this too, I want to be part of it too“. When I go to an exhibition or a museum, whether it‘s close or not to what I do, it inspires me, it stimulates me, it arouses my curiosity and gives me the energy I need to create. Regarding artists from the skateboard sphere, the one that really inspired my work is Evan Hecox. I even named one of my sons alter him. In graffiti, Delta is one of my favorite artist. He sets a role-model for me, especially when you see how his work has evolved over time. I should mention Doze Green too. At the end of the 90s, I used to take pictures of his murals in the 13th district.

But there is of artists whose work I would love to have on my walls: Phil Frost, Kaws, Dface, José Parva, Shepard Fairey, El Mac… I also love the French artist Mist. I was into toys, so his work speaks to me.

You started your artistic activity with graffiti, why did you stop ?

I didn‘t really stop. It’s not as if I didn‘t like it anymore. I started painting in 1996, often with my friend Leeroy (now a tattooist) who had the same background as me and whom I knew from skateboarding. We had a lot of fun doing small works or hanging out together to find the best spot to express ourselves! But then, I think I just followed a different path, I didn‘t want to do any more typos, and at one point, I think I felt a little locked up into a perticular style that no longer suited me. I had to find my own style and I thought that it couldn’t be expressed through graffiti.

More precisely, what is your vision of street art and its evolution ?

Once again, a little like graffiti, we lock ourselves in codes, we are put in drawers.  To be honest, I have a little trouble with the term „street art“, it‘s a catch-all term and it represents more of a kind of contemporary urban pop art than anything else, but I have no problem with people who do pop-art 2.0, you need something for every taste. On the other hand, I don‘t feel like I belong to that. Moreover, as its name suggests, it is supposed to be in the street art and it ceases to be there as soon as you put the work in a gallery or hang it on the wall of its owner. But I totally understand that artists want to make a living from their art and exhibit their works in galleries. And I still like their work whenever it can be seen. At the same time, I can continue to love what‘s on the street, whether it‘s a tag, a collage… No matter where it is in fact, as long as it speaks to me. The street offers a limitless space of expression and freedom, it’s a source of inspiration and the first art gallery of all.As far as I am concerned, whether I work on a wall or a canvas, it doesn‘t matter, I do what I want. I can‘t stand to be told what to do or think, and I don‘t want to impose my vision on others. I even have trouble calling myself an artist. I let others say it, it’s not for me to decree myself as such. I let them classify me, put me in a specific box, I‘m not the hater type, jealous of the success of others. On the contrary, I try to use it as a motivation. Everyone does their thing as they please, I focus on my job and the people I love, no time to waste on others.

Let‘s look back at your artistic evolution, you have already participated in exhibitions but you’ve been discreet in recent years. Why ?

I’ve been involved and organized several exhibitions, especially in the early 2000s. I’ve never thought of artistic activity as a profession but more as a passion, even though my vision has evolved. Now I can see myself creating on a full-time basis. I worked quite a bit at the same time until 2012. At some point, I started to have the impression that I was not creating something new than what already existed. My vision has changed since then. Not that I consider myself better or strong, it would be meaningless to say so, but now I do things that talk to me and I don‘t care if I bring something new. I’m not trying to revolutionize anything anymore. I feel more in step with my creations than I did a few years ago. I tried a lot of things and I‘m a perfectionist so it slowed me down a lot. But it bas also allowed me to improve my technique and style and to refine my desires and tastes.

There is an element that often comes up in your works, what does it represent ?

You mean the skull? I think it comes from my professionnal background: as a graphic designer, I‘ve worked a lot on graphic identities and I needed mine, a logo that represents me. I chose a skull that has evolved slightly over time and that can now be seen in all my creations. For me, it was obvious, I needed a strong symbol that would have an impact a little like a pirate or an albator. I call them memos for menento mori (« Remember you‘re going to die »). I’ve always loved the theme of vanities in art because there is nothing stronger than death. It’s not to make people idolize it but rather to pay a tribute to life. I like this ambivalence, this contrast because one cannot go without the other. In any case, I wanted a distinctive and grateful sign. My other logo is more complicated to read. It’s S.E.E.E.L, letters from a font I created. I like its enigmatic dimension, the fact that people can‘t immediately decode it as would be a tag, a hieroglyph or characters from another civilization for non-initiated people.

Do you have any recurring topics or themes ?

Death is the recurring theme because it is powerful. I also draw inspiration from mythology or certain civilizations for specific works, especially when I design portraits, but also patterns and other motifs. Sometimes, I feel like a musician who uses samples to create his own music. I think that the theme of childhood is present not as a theme per se, but from a very personal point of view. When I create, I‘m back to being the child I used to be.

Nature is also very present because I used to spend my weekends in the forest of Fontainebleau when I was a kid…


Precisely, your work was very figurative at first, how did it evolve ?

Yes, I drew a lot by developing a machine that looks like a rotating tattoo machine. It allowed me to make million dots to build figurative images. In a somewhat obsessive way, I started to focus more on the meaning than on the form. At first, my graphic compositions were used as backgrounds for my portraits. Moving from figuration to abstraction was therefore rather natural. It gave me a kind of breath of fresh air, allowing me to no longer impose a precise image, to free myself from the immediate, obvious représentations Moving from figuration to abstraction was therefore rather natural. It gave me a kind of breath of fresh air, allowing me to no longer impose a precise image, to free myself from the immediate, obvious représentations. I went back to something more instinctive which allowed me to find a certain balance in my work. As for abstraction, it comes from the mixture of patterns or shapes like a patchwork or a kaleidoscope, as in the subway posters. I like to turn things around and recycle them, bring them back to life, remix them… modify what they were designed for in the first place. For the carved posters, I like to use colours. It changes me a little bit because I didn‘t use a lot of colors in my drawings or figurative paintings.

We can see that there are still tears in your work, a little like a Villeglé ?

Yes, it‘s true, I love Jacques Villeglé. I like recycling, recomposition: it also raises questions about time. For tears, it brings violence, strength and even a notion of randomness to the images that I like. It gives impact, movement and spontaneity to them. So I also use this technique on the bas-reliefs.

You‘re kind of a jack-of-all-trades, as they say. Tell us about your sculptures and these low relief ?

I have always needed to create things, objects, in short, to do things with my hands. I always liked the volume and wanted to try new things. A few years ago, I had made a series of low relief shapes that I mixed, and I wanted to continue this process. So I tried to put the canvases into volumes and then I used the forms to recompose other works. In addition to the wefts, I like the imprinting of the shapes, a bit like a fossil. This also questions evolution and death at the same time, again… I always come back to it, it‘s hard to explain.

Sculptures are a bit of a culmination of this process. I had designed a series of toys that never saw the light of day in the early 2000s and I really enjoyed doing that. I had the impression to be a kind of Geppetto and to give life to my 2D creations. Moving from drawing to volume is great. You asked me why I had been discreet for several years, well, it‘s also partly due to that, to spend time on insect sculptures. I spent hours finding the right materials, the right techniques. I knew where I wanted to go, but it took me a while to find out how. The art of sculpture is time consuming, but I‘m having fun!

My goal with sculptures is really to place them in the street or in nature as intrusive objects to make people react. I design prototypes and from there, silicone moulds in order to be able to make them in series and to start „the invasion“.

For the other sculptures, I like to play with anachronism, so I use objects like paint bombs – iconic to me – and place them in contexts that have nothing to do with them such as old antique sculptures.

Right now I‘m working on very large formats.

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How would you like us to understand your world ?

I produce. Some people will be sensitive to my work, others will not. As creators, we make our own sensibility and background speak for themselves. All the things that make up the sum of who we are. One thing is for sure, I like it when the beauty is confronted with the filth in a certain way. I like to show the dark side of beautiful things, the repulsive nature of things that can cause fear. Insects represent this dichotomy well, beautiful, fascinating and frightening at the same time. They are disturbing intruders and I see a real analogy with the tag that acts like itchy hair, like a stone in your shoe. I try to keep my creation alternative, original, unconventional.

And finally, any projects you can say a few words about ?

Of course, always projects as long as we‘re alive! I just moved my workshop into a former warehouse. Working in my 20m2 cellar was no longer possible! It allows me to think bigger.

Exposing my work would be great, even if it’s not necessarily an objective. As well as being successful, by the way. Well, sure, I‘ll take it, but I‘d rather move on without running after it. In any case, I will continue to give concrete expression to my ideas and desires, whether it works or not, creation being vital for me.


Traduction : Sophie De Busni / Photos : Nohan Ferreira

Peux-tu te présenter ?

Je m’appelle Seel. Je suis né en 1979. Je vis et travaille dans le Sud de l’Île de France à côté de Fontainebleau.

Quel est ton parcours artistique ?

Dès tout petit, j’aimais bien dessiner, construire des maquettes, ce genre de truc quoi… je m’ennuyais rarement. Après le BAC je ne savais pas quoi faire et vu que la seule chose qui m’intéressait et qui m’avait suivi jusque-là c’était le dessin et bien je me suis dirigé vers des études d’arts plastiques. Après un deug et une école d’Art Graphique je me suis lancé en freelance et j’ai cherché des clients. J’ai bossé quelque temps pour le Studio 360 avec Thibault de Longeville surtout dans la musique puis dans la mode en tant qu’illustrateur.

Quelles ont été tes influences ?

Ce qui m’a donné envie de dessiner à la base, je pense que ce sont les bandes dessinées mais je dirai que c’est surtout le skateboard qui a changé ma vie dans les années 90. Ça m’a mis une claque et j’ai découvert un univers super riche, culturellement parlant, et foisonnant autant du point de vue graphique que musical… La richesse des graphismes, la liberté d’exercer où l’on veut et sans règles. Je pense que tout ça m’a séduit, Le côté encore underground et ce côté ludique de ne plus subir l’urbanisation mais de voir la ville comme un terrain de jeu. Tout ça m’a parlé. Et puis, grâce au skate j’ai découvert le graffiti au travers de la culture hip-hop très présente dans les vidéos des années 90. C’est aussi grâce à mon premier voyage aux USA en 94, certaines rencontres et quelques échanges de cassettes que je me suis intéressé à ce mouvement d’abord au travers de la musique puis ensuite au travers du graffiti. Cela représentait ce que je vivais et qui m’intéressait. Après, pour revenir à ta question, les influences sont nombreuses. On est des êtres sociaux et on ne vit pas sur une île déserte, surtout à l’heure actuelle, donc je pense qu’on se nourrit de ce qu’on aime et que les influences sont très nombreuses  voire même parfois  inconsciente.




Alors est-ce qu’il y a des artistes qui t’ont influencé ?

Bien sûr, je pense que même au-delà de l’influence, beaucoup d’artistes m’ont donné envie de peindre. Quand tu te prends une claque visuelle tu te dis « putain ça déchire, moi aussi je veux faire ça, moi aussi je veux faire partie du truc ». Quand je vais voir une expo, souvent j’en sors rempli de motiv, que ce soit proche ou pas de ce que je fais d’ailleurs, voir les autres qui cartonnent ça me donne de l’énergie… c’est bizarre… Après  comme je te l’ai dit le skate et tous les artistes qui gravitent autour m’ont beaucoup influencé. J’adore Evan HECOX et j’ai même appelé mon fils Evan en partie grâce à lui. Dans le graffiti, celui qui m’a mis la plus grosse claque et que j’adore c’est Delta. Ça reste une sorte de modèle pour moi notamment en terme d’évolution. Doze Green aussi, j’adore et je respecte beaucoup . J’allais me balader près des frigos dans le 13ème à Paris pour photographier ses fresques (fin des années 90) quand j‘étais étudiant. Après j’aime énormement d’artistes dont je serai très heureux de posséder une œuvre pour accrocher au mur de mon salon : Phil Frost, Kaws, Dface, José Parva, Shepard Fairey, El Mac… et pour les français, Mist j’adore. J’étais très branché jouets, donc ça me parle.

Tu as commencé ton activité artistique par le graffiti, pourquoi avoir arrêté ?

En fait, pour moi, je n’ai pas vraiment arrêté, du genre ça ne me plait plus. Au contraire, ça m’intéresse toujours. Je dirais que l’évolution a été très lente. J’ai commencé en 1996 il me semble, j’ai beaucoup peint seul ou avec mon pote Leeroy (devenu tatoueur), qui avait le même background que moi et que je connaissais du skate. On était souvent deux pour peindre, c’était une bonne époque, on s’est bien marrés à faire des petites missions. En fait  j’ai juste suivi un chemin différent, je n’avais plus envie de faire des lettrages ou des persos, et à un moment je pense que je me suis senti un peu enfermé dans les codes, les styles et ça ne me convenait plus, je ne me sentais pas vraiment original, j’avais l’impression de ne plus être libre….il fallait que je sorte de ces codes pour me sentir libre.

Justement quelle est ta vision du street art ou art urbain  et son évolution?

Encore une fois, un peu à la manière du graffiti, on s’enferme dans des codes, on nous met dans des tiroirs .  Pour être franc, j’ai un peu de mal avec le terme « street art », c’est un terme un peu fourre-tout et qui représente plus une sorte de pop art urbain actuel qu’autre chose, mais je n’ai aucun problème avec les gens qui font du pop-art 2.0, il en faut pour tous les goûts. Par contre je ne me sens pas appartenir à ça. En plus, comme son nom l’indique, c’est censé être dans la rue (street art) or il cesse d’y être à partir du moment où vous mettez l’œuvre dans une galerie ou que vous l’accrochez sur le mur de son propriétaire. Maintenant,  qu’il y ait des artistes, des graffeurs qui aient envie de vivre de leur art et d’être présent en galerie c’est tout à fait normal normal et je peux continuer à aimer ce qui se trouve dans la rue, que ce soit un tag une  fresque un collage … Peu importe ou c’est en fait, du moment ou ça me parle. Mais c’est vrai que ce qui m’a plu avec le graffiti, et les interventions dans la rue , c’est  l’espace de liberté accessible à tous , une galrie à ciel ouvert en quelque sorte. Après moi que j’intervienne sur un mur ou sur une toile, peu importe, je fais ce que j’ai envie et vu que je ne supporte pas qu’on me dise ce que je dois faire ou penser, et bien je me garderais d’imposer ma vision aux autres.

J’ai même du mal à me qualifier d’artiste. Je laisse les autres le dire, ce n’est pas à moi de me décréter comme tel. Je leur laisse le soin de me classifier, de me mettre dans une case, je ne suis pas du genre hater, jaloux du succès des autres, au contraire, j’essaie de m’en servir comme motivation. Chacun fait son truc comme il l’entend, je me concentre sur mon taf et sur les gens que j’aime, pas de temps à perdre pour les autres.

Revenons sur ton évolution artistique, tu as déjà participé à des expos mais tu as été discret ces dernières années ?

Oui, j’ai participé et organisé des expos, surtout au début des années 2000. Je n’ai jamais vu l’activité artistique comme un métier mais plus comme une passion, même si ma vision a évolué et  que je me verrai bien créer à plein temps. C’est vrai que j’ai pas mal bossé en parallèle jusqu’en 2012. J’étais arrivé à un moment de creux où je ne me sentais pas assez « fort » et j’avais l’impression de ne pas apporter grand-chose de plus que ce qui existait. Ma vision a changé depuis. Non pas que je me considère meilleur ou fort, ça ne veut rien dire d’ailleurs, mais on va dire que maintenant je fais des choses qui me parlent et je m’en fous d’ apporter quelque chose. Je ne cherche plus à révolutionner quoi que ce soit, je me sens plus en phase avec mes créations qu’il y a quelques années. J’ai essayé pleins de trucs et je suis assez perfectionniste, du coup ça m’a beaucoup freiné et comme le temps passe vite… Mais bon, ça m’a surtout permis de m’améliorer techniquement et stylistiquement et aussi d’affiner mes envies et mes goûts.

Il y a un élément qui revient dans tes œuvres, que représente-t-il ?

De ma tête de mort tu parles ? je pense que c’est une sorte de déformation professionnelle, en tant que graphic designer, j’ai beaucoup bossé sur les identités graphiques et avant d’avoir fait quoi que ce soit je me suis dit qu’il me fallait un logo un picto qui me représente. J’ai choisi une skull qui a évolué légèrement dans le temps et que j’ai décliné pour la placer dans toutes mes créations. Pour moi, c’est une évidence, il me fallait un symbole fort qui ait de l’impact, un peu à la maniere des pirates ou d’un albator. J’appelle ça les mémos pour menento mori (souviens toi que tu vas mourir). J’ai toujours aimé ce thème de vanités dans l’art car pour moi il n’y a rien de plus fort que la mort, ce n’est pas pour l’idolâtrer mais plutôt pour rendre hommage à la vie. J’aime cette ambivalence, ce contraste car l’un ne va pas sans l’autre. En tous cas, je pense qu’il y a des choses qui nous dépassent et c’est parfois dur à expliquer pourquoi ce choix plutôt qu’un autre. En tous cas, je voulais un signe distinctif et reconnaissable. Mon autre logo, est plus compliqué à lire, c’est S.E.E.L issu d’alphabets entiers que j’avais créés comme des fonts car j’aime le côté énigmatique illisible au premier abord, comme le serait un tag, un hiéroglyphe ou des caractères d’une autre civilisation pour les non-initiés

Tu as des sujets ou des thèmes récurrents ?

Pour moi, comme je te le disais, la mort est le thème récurrent car il est puissant. Après je me suis intéressé à la mythologie ou à certaines civilisations pour certaines œuvres surtout quand je dessine des portraits mais aussi pour m’inspirer des patterns et autres motifs . Des fois j’ai l’impression d’être comme un musicien qui utilise des samples pour créer sa musique. Je pense que le thème de l’enfance est présent non pas en tant que thème à proprement parlé mais je dirai d’un point de vue personnel. J’ai l’impression que quand je crée je redeviens l’enfant que j’étais. La nature est aussi très présente car je passais mes week-ends en forêt de Fontainebleau étant gamin…


Justement tu étais très figuratif au début, comment s’est opérée l’évolution ?

Oui, je dessinais beaucoup en développant une machine qui ressemble à une machine rotative de tatouage. Elle me permettait de faire des points car j’ai toujours aimé la trame des images, les ronds, les lignes qui permettent de reconstruire des images figuratives. Et puis je pense que d’une manière un peu obsessive j’ai commencé à m’intéresser au fond plutôt qu’à la forme, dans tous les sens du terme. A la base, mes compositions graphiques servaient de fond pour mes portraits. Je les appliquais en arrière-plan, c’était simplement un point de départ. Donc, oui, passer de la figuration à l’abstraction c’était plutôt naturel, les œuvres sont devenues des œuvres à part entière mais aussi une sorte de bouffée d’oxygène, ça me permet de ne plus imposer une image précise et ainsi de me libérer de la représentation, c’est comme revenir à quelque chose de plus primaire, de plus instinctif, c’est vital pour moi, en tous cas j’y trouve une sorte d’équilibre.

Quant à l’abstraction, elle vient du mélange de pattern ou de formes à la manière d’un patchwork ou d’un kaleïdoscope, comme pour les affiches de métro. J’aime détourner les choses et les recycler, leur redonner la vie, les remixer… modifier ce pourquoi elles ont été conçues. Et puis, pour les affiches découpées, j’aime bien utiliser de la couleur, ça me change un peu car je n’utilisais pas énormément de couleurs dans mes dessins ou mes peintures figuratives.

On peut voir qu’il y a toujours des déchirures présentes, un peu à la manière d’un Villeglé ?

Oui c’est vrai, j’adore Jacques Villeglé, comme je te le disais, j’aime le recyclage, la recomposition ça nous questionne aussi sur le temps. Pour les déchirures, ça confère aux images une certaine violence, de force, voir même de hasard qui me plait. Je trouve que ça donne de l’impact, du mouvement et de la spontanéité, je l’ai même décliné sur les bas-reliefs.

Tu es un peu touche-à-tout comme on dit. Parle nous aussi de tes sculptures et de ces bas reliefs?

J’ai toujours eu besoin de créer des choses, des objets, bref de faire des trucs de mes mains. J’ai toujours aimé le volume et voulu essayer des trucs nouveaux. il y a quelques années, J’avais fait des séries de bas reliefs de formes que j’utilisais et mélangeais, et je voulais continuer ce processus. J’ai donc essayé de mettre en volumes les toiles et ensuite de me servir des formes pour recomposer d’autres œuvres. En plus des trames, j’aime bien le côté empreinte des formes, un peu à la manière d’un fossile. Ça aussi, ça questionne sur le temps, l’évolution, c’est-à-dire la mort aussi. Tiens! j’y reviens toujours, c’est difficile à expliquer.

Après, les sculptures pour moi, c’est un peu l’aboutissement, j’avais dessiné une série de jouets qui n’ont jamais vu le jour au début des années 2000 et j’avais vraiment kiffé. J’avais l’impression d’être une sorte de Geppetto et de donner vie à mes créations en 2D. Passé du dessin au volume c’est génial. Tu me demandais pourquoi j’avais été discret depuis plusieurs années, ben c’est aussi en partie dû à ça. Pour les sculptures d’insectes, ça m’a pris énormément de temps à trouver les bons matériaux, les bonnes techniques. Je savais où je voulais aller mais j’ai mis du temps à savoir comment y aller et c’est vrai que la sculpture est chronophage, mais je m’éclate.

Mon but avec les sculptures c’est vraiment de les placer dans la rue ou dans la nature comme des objets intrusifs, avec toujours ce côté impactant. Je conçois des prototypes et de là, des moules en silicone afin de pouvoir en tirer un plus grand nombre possible et de pouvoir commencer l’invasion. Pour le reste des sculptures j’aime le côté anachronique, donc j’aime utiliser des objets comme les bombes de peintures iconiques pour moi et les placer dans des contextes qui n’ont rien à voir, comme des vieilles sculptures antiques par exemple. Et en ce moment je bosse sur des grands formats.

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Comment voudrais-tu que l’on comprenne ton univers ?

Tu sais, moi je produis, après je pense que les gens y sont sensibles ou non. En tant que créateur on fait parler notre sensibilité, notre background. Toutes les choses qui font la somme de ce que l’on est, en vérité. C’est difficile à dire en tout cas je pense qu’il faut garder un côté activiste. Après c’est vrai que moi j’aime quand le beau est confronté au crad d’une certaine manière. J’aime aussi le côté obscur des choses, le beau confronté à des thèmes plus sombres, au répulsif, à la peur. C’est pour ça que j’adore et j’utilise des insectes, c’est beau et effrayant à la fois. Ces intrus dérangeants c’est aussi ce qui m’intéresse, c’est comme un tag dans la rue, c’est beau et dérangeant, comme du poil à gratter, comme un caillou dans ta godasse. J’essaie de faire en sorte que ma création reste alternative, originale le plus possible et non conventionnelle.

Et pour finir, des projets ?

Bien sûr, toujours des projets tant qu’on est en vie. Je suis pressé de m’installer enfin dans mon atelier car bosser dans ma cave de 20m2 ce n’était plus possible. Ça va me permettre de bosser en plus grand. Exposer mes travaux serait pas mal, même si ce n’est pas forcément une fin en soi. Tout comme avoir du succès d’ailleurs. Bon, c’est sûr si ça vient je prends mais je préfère avancer sans courir après. De toutes les façons j’ai toujours entrepris, que ça marche ou non, donc je continue mon petit chemin mais je crois que pour moi la création c’est vital.

Photos : Nohan Ferreira

Né à la fin des années 70 dans le sud de l’île-de-france, SEEL découvre les arts graphiques au travers de la pratique du skateboard. En 1996 il débute son activité picturale au travers du graffiti. Dès la fin de ses études d’art et de communication visuelle, SEEL exerce en freelance son activité graphique. Parallèllement à son activité professionnelle, il organise et participe à plusieurs expositions, d’abord basées sur le graffiti puis sur le graphisme et la peinture. Il délaisse ensuite les expos pour se concentrer sur le dessin et le collage. Depuis plusieurs années et par soucis d’indépendance, SEEL a progressivement monter son atelier de sérigraphie, outil qui lui permet de reproduire ses dessins en séries limitées. Son logo nommé « Memo » pour Memento Mori reprend l’idée des Vanités dans l’art. Seel aborde différentes thématiques souvent centré autour de la nature, la mort, les mythes… Voulant « donner vie » à ses dessins, Seel a désormais élargi son champs d’action en se concentrant sur la sculpture.